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Cine

Cine 2016: Un balance del año

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Rodrigo Portales Fidel

A pocos días de cerrar el 2016, es momento de hacer un recuento de lo más destacado que pasó por la cartelera local en el año que se acaba, de rescatar aquellos filmes que marcaron con su calidad el cine de este periodo.

Entre los estrenos que trajo el Oscar 2016, fueron de interés “Spotlight: en primera plana”, que ganó este año el premio a mejor película, además de títulos nominados como “El renacido”, “Carol”, “Los 8 más odiados”, “Anomalisa” y “El hijo de Saúl”.La cada vez más reducida cuota de cintas de otras latitudes que aterrizaron en las salas estuvo representada por “Julieta” (España), “Estación zombi” (Corea del Sur) y “Elle” (Francia).

Aquí la lista, sin orden de preferencia, de las diez mejores películas exhibidas en la cartelera comercial:

“Spotlight: en primera plana” (Tom McCarthy): Con un guión brillante como preciso, sin morbo ni efectismo, trata de la investigación real de un equipo de reporteros de The Boston Globe en el año 2002 sobre los abusos sexuales cometidos por sacerdotes del estado de Massachussets. De visión imprescindible para la comunidad periodística como católica.

“Carol” (Todd Haynes)

“Carol” (Todd Haynes): En la Nueva York de los años 50, nace una atracción inmediata entre una joven dependienta de una tienda y una mujer adulta que se siente atrapada en un matrimonio infeliz. Con elegancia, sofisticación y sensualidad, la cinta muestra la exploración y reafirmación de un amor lésbico, encarnado con intensidad y delicadeza por Cate Blanchett y Rooney Mara.

“Elle” (Paul Verhoeven)

“Elle” (Paul Verhoeven): Protagonizada por una portentosa Isabelle Huppert, ”Elle”es una de las grandes películas de su director por su mirada corrosiva, retorcida y sin concesiones a la moral establecida desde el universo femenino de su protagonista, que decide vengarse de una violación de la manera menos usual.

“Julieta” (Pedro Almoóvard)

“Julieta” (Pedro Almoóvard): La última obra del cineasta manchego es una espléndida muestra de su madurez y serenidad creativa. Una historia de mujeres sobre el dolor, la culpa y la pérdida, hecho de viajes en el espacio y en el tiempo, donde la certeza del amor materno-filial se pone en todo momento bajo la lupa.

 “El hijo de Saúl” (Laszlo Nemes)

“El hijo de Saúl” (Laszlo Nemes): El extraordinario debut del director húngaro sumerge al espectador en los interiores del Holocausto, en un ‘tour de force’ donde el infierno físico y mental del exterminio se percibe desde la mirada de un prisionero judío y trabajador de un campo de concentración nazi. Una obra de arte incómoda, que nos interpela ante el horror.

 “Sully” (Clint Eastwood)

“Sully” (Clint Eastwood): El último de los directores clásicos de Hollywood lleva la historia real de un aterrizaje forzoso con clasicismo y fluidez en la narración, que intercala con saltos temporales, recuerdos y ensueños de su protagonista (Tom Hanks). Mantiene intacta su facilidad para contar, dirigir actores e impregnar de fuerza y emoción sobria y punzante cada secuencia.

“Los 8 más odiados” (Quentin Tarantino)

“Los 8 más odiados” (Quentin Tarantino): Un western extremo de casi tres horas, repleto de diálogos brillantes y explosivos, clímax insostenibles y ramalazos de crueldad y horror, todo con el estilo y la cinefilia desbordada y contagiante de su director. Luego de “Django desencadenado”, vuelve al tema del racismo en los EE.UU. de forma más serena, lúcida y punzante.

 “Anomalisa” (Charlie Kaufman y Duke Johnson)

“Anomalisa” (Charlie Kaufman y Duke Johnson): Película animada para adultos de corte existencialista que funciona como una representación en miniatura de la condición y la complejidad de una pareja, tan graciosa como deprimente. Esta joya de la animación resulta más humana y melancólica que muchas historias reales.

“Estación zombie” (Yeon Sang-ho)

“Estación zombie” (Yeon Sang-ho): Con pulso narrativo incesante y cambiante, esta joya coreana convierte a un tren en marcha en escenario de una lucha a muerte entre pasajeros y zombies. Y lo hace conjugando emociones, espectacularidad, secuencias alucinantes y comentario social.Un clásico del futuro que cautiva y estremece por igual al público como a la crítica.

“La bruja” (Robert Eggers)

“La bruja” (Robert Eggers): La película de horror del año nos traslada a la Nueva Inglaterra del siglo XVII, a la intimidad de una familia calvinista que será dominada por el mal que acecha en el bosque cercano. Sin trucos baratos, la consagratoria ópera prima de Eggers es una película perturbadora y bella, con momentos de impacto, tensión y sorpresa que se van cocinando a fuego lento.

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Cine

De leones y ratones

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ERNESTO GUEVARA FLORES

Hace una semana se estrenó la comedia romántica peruana El Gran León, una adaptación del exitoso filme argentino Corazón de León (2013). A su vez, el exitoso director peruano Ricardo Maldonado toma la riqueza visual y actoral del filme sureño para intentar una historia sobre simpatía, encanto, melancolía que queda a medio camino al ensamblarla con la picardía criolla de la comedia monologal.

¿Es cierto que el protagonista peruano no entiende la complejidad y riqueza de matices de su homólogo argentino?

El filme argentino logró una notable comedia romántica, además de cierta raigambre popular. Un deleite visual que además rompe una lanza por las diferencias, algo oportunísimo en estos tiempos.

El filme argentino logró una notable comedia romántica, además de cierta raigambre popular. Un deleite visual que además rompe una lanza por las diferencias, algo oportunísimo en estos tiempos.

En el cine peruano, que no es aún cine nacional, hemos visto el año 2017 logradas comedias y dramas sociales, pero también un problema intrínseco a nuestra casi inexistente industria cinematográfica: la ausencia de creatividad mayor, aquella que lleva a no copiar versiones previas. En el caso de El Gran León, cierta ausencia de atrevimiento creativo es reemplazado por una efectiva escenografía de solvencia, prosperidad material, refinamiento.

Ese es, por cierto, uno de los problemas de un posible cine nacional: la discusión es interminable pero la necesidad es una sola. Cine peruano hay, pero cine nacional aun no, entre otras cosas porque no hay industria del cine. Todo país necesita un cine porque éste es su rostro, su imagen al exterior, su identidad visual y artística. Incluso los países más pobres y colonizados intentan o tienen cine. En ese sentido, sí hay cine peruano, porque se hace cine en el Perú, con todos los obstáculos imaginables y sin apoyo institucional.

Eso lo vemos reflejado en muchas películas peruanas, y también en El Gran León. Tomar versiones anteriores sí, pero no solo copiando los planos. La referida ausencia de creación propia lleva que se trivialice la eficiente película argentina, donde la complejidad de la vida cotidiana era superior a la dicotomía de galán-pretendiente; en la versión peruana, el villano está mucho menos logrado que el de la secretaria, por ejemplo. Un poco de componente dramático no estaba de más, un poco de ingrediente emocional, el conflicto personal –y no solo el económico. Hay que agradecer, sin embargo, que en El Gran León algunos actores comprometidos hacen cuajar a varios personajes.

El filme argentino logró una notable comedia romántica, además de cierta raigambre popular. Un deleite visual que además rompe una lanza por las diferencias, algo oportunísimo en estos tiempos. Su versión peruana, que empero está logrando éxito de salas, hizo bien en partir de esos episodios cómicos autónomos, pero debió pasar a la construcción visual -y no solo verbal- de la superación emocional de las limitaciones y de una profundización real de las sensibilidades hoy tan ausentes del cine comercial. No eran necesarias tantas escenas de playa, ni el énfasis excesivo y tan tópico en la cultura del éxito, del crecimiento económico exponencial, del exitismo, de la prosperidad.

Volvamos entonces a los elementos referidos para un cine nacional. Cuando están presentes, y una sociedad se identifica con lo que ve en la pantalla grande, cuando la identidad de un país se construye con imágenes que interrelacionan la industria con el arte y el espectáculo, hay un Cine Nacional. Algo que existe en muchos países, hasta en los más impensables, pero que aún no hay en el Perú.

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Cine

“Annabelle”: la Creación [TRÁILER]

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Annabelle es una muñeca poseída, pero su origen yace en el amor de un padre por su hija muerta. En la cinta del 2014 conocimos el daño del que la muñeca es capaz, pero décadas antes hizo algo peor. Dicha historia reveló su nuevo avance este miércoles.

En “Annabelle: la creación”, las habitantes de un orfanato se mudan a casa de los Mulligan, pareja que perdió a su única hija años atrás. Ellos son los responsables de que un espíritu maligno habite la muñeca. Como no pudieron expulsar al ser, lo encerraron.

“The Crooked Man”, “La Monja” y “Annabelle”, personajes del universo cinematográfico de Los Warren.
Tráiler de “Annabelle: la creación”. (Video: Warner Bros.)

La huérfana Janice (Talitha Batman) siente que una presencia maligna habita la casa, sospechas que confirmará cuando el espíritu intente invadir su cuerpo. Esto ocurre, según el tercer avance.

“Annabelle: la creación” es la cuarta entrega de la saga “El conjuro” de Warner Bros, que en los próximos años se extenderá con las películas “La Monja” (2018) y “El hombre retorcido”, personajes que aparecieron en “El conjuro 2”.

DATOS

“Annabelle: la creación” cuenta con la participación de la mexicana Stephanie Sigman, quien actuó en la serie “Narcos” de Netflix.

La cinta llega a Perú el jueves 17 de agosto.

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Cine

“Rosa Chumbe”

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El pasado 8 de junio llegó a salas comerciales la película “Rosa Chumbe”, dirigida y escrita por Jonatan Relayze, realizador fogueado en la escena independiente limeña, que acomete en su primer largometraje el retrato sombrío y desangelado de una mujer que carga sobre sus hombros todo el peso de su circunstancia y la neurosis de vivir en una metrópolis como la nuestra.

La película lleva el nombre de una solitaria y callada policía que se refugia en el casino y el alcohol para pasar su tiempo. Su rutinaria y mediocre existencia, que transcurre entre su hogar y su ineficiente rol como agente del orden, cambia cuando su joven hija Sheyla se convierte en madre y decide dejarle a su pequeño hijo, abandonándolos a ambos y llevándose consigo los pocos ahorros de Rosa. Todo esto la obligará a asumir su nueva cotidianidad en la que un suceso sorpresivo la llevará a reencontrarse con su espiritualidad que le dará un nuevo y definitivo giro a su historia.

“Rosa Chumbe”

Con una puesta de escena que toma como referentes al neorrealismo y al estilo ascético de cineastas como Robert Bresson y Carl Dreyer, la cinta se apoya fuertemente en dos elementos: el personaje de Rosa y la ciudad de Lima. La primera, encarnada por una Liliana Trujillo en estado de gracia, en el primer protagónico de su carrera en el cine, logra construir un personaje sobre el que se sostiene la historia, con pocos diálogos y expresando una gama de sentimientos encontrados a través del cuerpo y los gestos, que la actriz trabaja con emotiva y contenida sobriedad.

La capital peruana aparece como un personaje más, pues sus espacios y atmósferas son retratados con especial énfasis, ayudando a construir el entorno gris y hostil que enfrenta la protagonista. Hay una sensación de inmersión sensorial en la urbe y sus habitantes, en la que el sonido tiene además un importante mérito.

Otro recurso son las elipsis que se aplican con rigor y siembran la trama de sugerencia y misterio, al igual que algunos elementos que se infiltran en lo cotidiano y sirven de mensajeros de algo extraño o extraordinario, tales como la imagen de Santa Rosa, un temblor de tierra, o incluso el programa de chistes del “Gordo Casaretto” (Alejandro Romero) que sigue Rosa por televisión, cuya apariencia le asemeja a una especie de chamán o Buda extraterrestre.

Mención aparte merece en este análisis la presencia del Señor de los Milagros -todo un leitmotiv en títulos reconocidos del cine peruano reciente como “Octubre” y “El evangelio de la carne”- y que en este filme alcanza un rol definitorio que lo aleja del paisajismo y la nota costumbrista de anteriores propuestas.

Otro punto a destacar es el paralelo entre madre e hija, una relación tensa y distante a la vez, marcada por la pobreza y el abandono mutuos. Ambas, siguiendo distintos caminos, encontrarán su redención, tomando decisiones que las iluminan y liberan.

Desde “Días de Santiago” de Josué Méndez (2004), no asomaba por el cine nacional, en lo que va de este siglo, una ópera prima contundente y lograda como “Rosa Chumbe”, que utilice con propiedad y personalidad los recursos cinematográficos para gestar una obra coherente a nivel expresivo y abierta a más de una lectura.

Título original: Rosa Chumbe
País y año: Perú, 2015
Duración: 75 min.
Director: Jonatan Relayze
Reparto: Liliana Trujillo, Cindy Díaz, Alejandro Romero.

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